Случалось ли вам написать песню, написать стих или картину, да просто что-то сделать и вложить душу и, показав друзьям, услышать не восторженные отзывы, а равнодушие или критику? Что с этим делать?
Разберу на примере песни, так как это мне ближе всего.
Во первых, нужно прислушаться к критике. Если вы не собираетесь играть только для самого себя, вам нужно учиться понимать слушателя. Не следует слепо набором модных шаблонов пытаться сделать хит, но все же, если вы не хотите давать концерты для своей бабушки и мамы, изучите тенденции музыкального спроса.
Во вторых, стоит обратить внимание на сам материал. Оставим в стороне текст, его может и не быть вовсе, а если он и есть, то содержание и смысл песни это вкусовщина. Разберем именно музыкальную составляющую - #композицию и #аранжировку. Если в вашей песне есть своя изюминка, но мелодия "не качает", не увлекает слушателя - у вас проблема с аранжировкой. Попробуйте послушать песни, которые вам нравятся, отследите приемы, которые там используются. Попробуйте разобрать свою песню с точки зрения состава, инструментов, найдите в ней вступление, переходы, пик, развязку - не нужно бить только на "припев-куплет".
Если же ваша песня звучит как надо, но не несет в себе никакой самобытности, похожа на сотни и тысячи уже существующих песен - обратите внимание на композицию. Да, есть всего 7 нот, но у вас есть бесконечное количество вариантов как и на чем их сыграть. Не бойтесь экспериментов и попробуйте поменять устоявшиеся вещи.
Нет, это не про остановку при неудачном дубле, не призыв остановить игру и обсудить аранжировку.
Я хочу поговорить о тех причинах, которые заставляют меня прервать запись и предложить ее продолжить в другой день, а иногда и с другим звукорежиссером или даже в другой студии.
Самая хорошая причина — я вижу что исполнитель устал. Выдохся, выжал из себя все что мог и каждый дубль идет все хуже и хуже. Перекуры и кофе не помогают, а нервы сдают. В таких ситуациях лучше просто дать себе передышку и в другой день со свежей головой и новыми силами сделать шедевр.
Вторая причина — исполнитель не готов. Он не выучил материал, сбивается, постоянно лажает, забывает что нужно играть или петь. Бывают редкие исключения, когда он действительно талантлив и пришел с пустой головой, но на ходу смог составить и сыграть крутую партию. Но это очень малый процент. В остальном все напоминает двоечника у доски, который «учил». От такой сессии ничего, кроме усталости и некачественного материала из разряда «склейся песня» не выйдет. Поэтому нет ничего страшного, если я отправил вас доучивать материал. Я экономлю ваши же деньги, а так же свое и ваше время.
Третья причина — откровенное хамство и быдлячество. Сюда же можно отнести порчу оборудования студии. В целом за это можно не только пожизненный бан на студии получить, но и в тыкву.
Четвертая причина Мне настолько не нравится материал, что отвращение и рвотные позывы не дают делать свою работу. Можно бесконечно говорить о профессионализме, о том что свою работу нужно делать где угодно и когда угодно, не обращая внимание на то, нравится тебе или нет. Но музыка должна приносить удовольствие, а записывая ее я становлюсь соавтором. И быть соавтором откровенного шлака (на мой вкус) мне не хочется.
Пятая причина — инструмент (в том числе и голос) в плохом состоянии. Гитара ладит, звенит, шнуры и гнезда коротят и тд. Если есть возможность — мы можем попробовать это исправить. Но лучше снести запись и найти замену в лучшем состоянии или довести до ума текущий инструмент.
Оборудование студии неисправно. Тут я думаю и объяснять нечего.
Итак, 6 причин, по которым запись может быть прекращена.
Вы можете еще раз воззвать к коммерции, илону маску и успешному успеху. Но есть принципы, которые определяют мою жизнь и то, как я делаю дела.
Это ответственность, внимание к деталям и фанатизм в музыке.
Если уж мы собрались и делаем — нам не нужно потом стыдиться за соучастие в создании shit'a.
Для тех, кому лень читать, я скажу сразу и мы вернемся к этому в конце статьи. Итак, вот он ответ на вопрос жизни, вселенной и вообще: если сведение сделано хорошо, то мастеринг не требуется.
Довольно часто я слышу от многих исполнителей "С меня за сведение моего трека попросили много денег, а за мастеринг - в 2 раза больше". И если при этом они эти деньги заплатили, я сразу вижу у них буратинский колпак, дырявые башмаки и иллюзию золотого ключика в руках.
Для начала, давайте разберемся, что же такое мастеринг?
заседание тайной ложи аудиофилов
Если вы относите себя к обществу аудиофилов, статью можно дальше не читать, она слишком грубо проедется по избитым стереотипам. Лучше слушайте музыку и не забивайте себе голову.
Историческая справка.
Зачем вообще был нужен мастеринг?
Когда-то давным давно, когда небо было зеленее, а трава гм.. Так вот, когда основным носителем являлся такой убогий в плане звука предмет как виниловая пластинка, а записи велись на пленку. И для того чтобы звуки воспроизводимые с помощью диска винила и иглы на подвесе были похожи на музыку, требовалось соблюдать очень жесткие правила.
На низких частотах нельзя было превышать громкость в треке, иначе от такой амплитуды колебания стенок канавки из дорожки вылетит игла. Значит надо басы убавлять.
С другой стороны, большая громкость (динамический диапазон) на виниле недостижима в силу того, что игла и её подвес просто не будет успевать колебаться с достаточной амплитудой, и всё это на фоне того, что громкие звуки – это неровности краёв канавки, и стенки между канавками не могут быть слишком тонкими – в следствии чего и выемки в канавках слишком глубокими.
Выходит, надо убавлять общую громкость. Верхний порог громкости убавили, нижний задан чувствительностью системы «игла-канавка». Это значит, что помимо уровня громкости также сужается и динамический диапазон — для винила он составляет всего 65дБ. К сравнению, 16 bit WAV файл дает более 96дБ, в зависимости от способа кодирования.
Высокие частоты тоже пропадают (игла физически не сможет колебаться быстрее, чем, например, 10 тысяч раз в секунду на нужной громкости, хоть ты тресни) и чем выше частота, тем быстрее она идёт на убыль.
Значит бесполезные высокие тоже режем, а почему? А потому что игла высокие не воспроизведёт а нужный динамический диапазон и громкость в канавке займёт.
А под конец пластинки (на внутренних дорожках) так вообще мрак – скорость «бега» иглы по канавке уменьшается в разы! Какие уж тут нормальные высокие частоты?
И всё это на фоне того, что с каждым проигрыванием пластинки на ней остаётся всё меньше и меньше высоких частот - ведь игла буквально истирает "неровности" в канавке, и чем выше частота неровностей, тем быстрее они сглаживаются.
Можно и дальше перечислять, но вы уже и сами поняли насколько ущербный носитель винил. И все восторженные восклицания про «теплоту звука» и «ламповость» есть ничто иное, как безграмотность и фантазия, романтизация ампутации и кастрации и придание им шарма.
Винил как прокрустово ложе
А на деле мастеринг-инженер прошлого был похож на оператора прокрустова ложа — «лишнее отрубим, недостающее натянем» — резал частоты, громкость, стереопанораму, лишь бы пластинка смогла проиграть трек, а слушатель узнал мелодию и не ругался от выпрыгивания иглы из дорожки(убираем басы), перескакивания иглы (уменьшаем громкость и ДД), цыкающего среднечастотными перегрузами (спектр с уменьшением басов (при той же громкости) сместился в сторону невоспроизводящихся высоких и надо их прибирать), и неравномерным звучанием альбома (на внутренних дорожках очень мало ВЧ и на внешних дорожках надо ВЧ убирать, чтоб спектр всех песен на пластинке был одинаковый).
Ну и, конечно, ещё одной важной задачей мастеринга было создание единого звучания альбома: песни разные, играются и поются по разному, какие то тихие, какие- то громкие. Чтобы от песни к песне слушатель не подпрыгивал и не хватался за сердце или наоборот, не тянулся прибавить громкость /высоких/низких, а имел единый звуковой образ всей пластинки — примерно одинаковая громкость, спектр, панорама - цельный саунд альбома.
После того, как появился компакт диск, потребность в подготовке записи к винилу отпала. Как и ограничения по громкости. И началась она — война громкости. Как выделить свою запись среди конкурентов? Сделать громче! Но если есть жесткое ограничение максимальной громкости — можно поступить «хитрее». RMS — если очень грубо объяснить — средняя громкость за трек. И если максимальная громкость ограничена, то можно же тихое сделать громче? И вот, компрессия и лимитирование сделало свое дело, гонка RMS убила динамику в большинстве треков. Как это происходило — наглядно видно на «окирпичивании» хита Майкла Джексона
Майкл Джексон и история раздувания громкости
Средствами динамической обработки стали уменьшать разницу между тихими и громкими звуками, тем самым… уменьшая динамический диапазон звука. Не носителя, а звука! В носителе так и осталось 16 бит (более 65000 уровней громкости - 96дб), но звук в цифровом контейнере использует только верхние значения. Нижние после "угромчения" невостребованы".
И вот у мастеринга появилась новая функция – разогнать трек по громкости. А попутно украсить частотно и по стереопанораме – чтоб жирно, громко, красиво и широко, «ДОРАХО-БОХАТО!»
К счастью, это тоже уходит в прошлое и все больше сервисов принудительно «глушит» разогнанные треки и усредняет общую громкость. Поэтому такие треки кирпичи будут терять в динамике и казаться более тихими, чем хорошо сведенные и не ужатые в хлам.
Помимо этого появилось ещё профилирование звука на мастеринге: для радио, для выступления, для альбома, для телевидения, для клуба и т.д.
Но это история. А что же сейчас?
Зачем нужен мастеринг сегодня?
Для формирования единого звучания нескольких треков в одном альбоме. Да, если вы в разное время на разных студиях записывали и сводили несколько треков, то привести их к единому звучанию необходимо. Это отдельная работа за которую не стыдно взять денег.
Для подготовки трека к определенным площадкам (ТВ/Радио/стриминговые сервисы и тд). Форматы известны и подготовить трек под эту площадку не так сложно. Если трек не был записан/сведен у нас, мы так же можем взяться за эту работу за не так много денег. Если же трек сводил наш звукорежиссер — никаких дополнительных оплат за мастеринг мы не берем.
Типичные предложения на рынке звукозаписи
Зачем не нужен мастеринг сегодня?
Как я уже сказал, если трек/альбом сводим мы — финализация и общий дизайн звука уже входит в наши услуги при оплате сведения. Как и подготовка для разных потребителей и площадок.
Попытка исправить косяки сведения/записи. Друзья, есть правило shit in=>shit out. 50-70% успеха трека решается его исходниками, 50-30% сведением и аранжировкой. Нельзя исправить «мастерингом» то, что заложено при записи или сведении. Да, можно поднять низ или верх, слимитировать и поднять общую громкость. Но это всего лишь финальные штрихи и если есть грубые ошибки записи или сведения — лучше вернуться и исправить их.
Попытка сделать «коммерческое» «фирмовое» звучание. Повторюсь — звук создается на записи и сведении. Если его там нет, то весь остальной «мастеринг» — крэк пэкс фэкс и зарывание золотых монет на пустыре.
Подытожим.
У вас есть несколько треков и вы хотите собрать из них альбом? Вы хотите адаптировать трек для конкретной площадки? — Вам нужен мастеринг.
Вы получили трек со сведения и вам не нравится его звучание? Вы хотите большое «фирмовое» звучание? трек не похож на референс кумира? — Вам не нужен мастеринг. Вам нужно сделать ремикс (пересведение трека) или, возможно, даже частично или полностью его переписать. Я крайне рекомендую потратить деньги на запись и сведение, а не на волшебный «мастеринг».
Напоследок, если вы все-таки хотите отдать свой трек на мастеринг. Посмотрите на студию. Есть ли там достаточно оборудования, несколько пар мониторов, наушников, подготовлена ли комната, какое оборудование есть в студии и какие аналогичные работы уже были сделаны. Не стесняйтесь и спросите сотрудников, что они планируют сделать за эту сумму с вашим треком. И, взвесив все «за» и «против», принимайте решение.
В голове у среднестатистического молодого артиста лейбл - это что-то вроде волшебной феи, которая решит все его проблемы, сделает его знаменитым, богатым и популярным🧚♀️
Так ли это на самом деле?
Лейблы в наше время - это, прежде всего, маркетинговые агенты, которые работают с артистами для масштабирования.
Т.е. если, у артиста уже есть активная аудитория и он может собрать 500-1000 человек на концерт, есть релизы и прослушивания, то при участии лейбла это всё можно масштабировать в ~5-10 раз.
Изначальное же представление, что лейбл участвует в производстве музыки, дает продюсера с командой и бюджет на всё это дело впридачу - кануло в прошлое.
Можно сказать, что по сути, лейблам неинтересно (читай невыгодно) сотрудничать с молодыми артистами. Жёстко, но как есть, ребят🤷♂️
Представьте себя на месте менеджера (наемного сотрудника) лейбла, которому каждый день приходят сотни и тысячи заявок типа "бро, зацени трек" и "возьмите меня, я талант".
У менеджера же есть KPI и понимание, что артист должен принести лейблу денег, иначе лейбл не заплатит этому сотруднику за работу, а значит, он не будет подписывать никого, кто не имеет уже прочную "базу". Увы, здесь "сказка про золушку" не работает🥲
А что работает? На деле же этот условный менеджер мониторит соцсети и ищет артистов, которые уже имеют аудиторию и релизы и в целом выглядят перспективно. Такие дела.
Похожая ситуация в головах и у начинающих звукорежиссеров. Они хотят "устроиться на студию" думая, что вот там-то к ним придут популярные артисты и они получат признание и кейсы💪
Однако, и здесь это не работает:
если 50-60 лет назад студии были центром компетенций и оборудования, которое стоило огромных денег, то сейчас правила игры поменялись и теперь "центром вселенной" в музыкальной индустрии становится продюсер, который дает именно то, что нужно клиентам. Таким образом, продюссер может записывать артистов на разных студиях, в зависимости от задач да и вообще от много чего.
Поэтому устроиться на студию можно, но вот работать придется с песнями "в подарок", школьным репом и свадебными каверами.
Кейсов из этого не получить, развития тоже, денег в такой работе тоже нет. Выход - набирать своих клиентов и расти вместе с ними, а не пытаться сразу найти звезду в портфолио.
А как артисты зарабатывают на своей музыке? Прежде всего, это концерты - большие и маленькие, в том числе корпоративы. Это основной заработок.
Помимо концертов - реклама различных брендов, товаров и услуг.
А вот со стримов, вопреки расхожему мнению, кроме самих стриминговых площадок, практически никто не зарабатывает, даже "большие" артисты зачастую получают сущие копейки (с учетом затрат на их продвижение) или не получают денег вообще.
Представьте себе ситуацию, когда вместо еды начинают подавать говно.
Натуральное дермище, мухи жужжат, дыхание перебивает, ваш желудок судорожно сжимается и вы ощущаете рвотные позывы. И среди этого всего вдруг появляются люди, которые начинают выделять из общей кучи говна какие-то определенные вкусы, нахваливать их, рассуждать какие в нем твердые комки и послевкусие, что это наследие еды из 80х или 90х.
Вам объявляют что это постборщ, посткотлеты и постсалат. Люди, которые разбираются в сортах говна, называются гурманы. А вас, обалдевшего от происходящего, называют ретроградом, бумером и быдлом. И что вы не можете различить где хорошее говно, а где говно - говно. Представили?
